BELETAGE art, books & design präsentiert im Rahmen der Reihe „THE SHELF – die kuratierte Wohnwand“ die Künstlerin Estelle Gassmann mit ihrem poetischen Beitrag. Leere Regalfächer verwandeln sich durch ihre Keramiken in kleine Bühnen – jedes Objekt erzählt seine eigene Geschichte.

Estelle Gassmann schafft Gefässe und dreidimensionale Collagen aus Keramik. Ihr künstlerisches Interesse gilt der Begegnung kontrastreicher Materialien, Bearbeitungstechniken, Strukturen und Bilder, die sie assoziativ und intuitiv miteinander in Beziehung setzt. Besonders fasziniert sie der Entstehungsprozess selbst: Einerseits unterliegt er unvorhersehbaren Faktoren – etwa dem Zusammenspiel von Glasur und Porzellan, die im Brand über die Oberflächen fliessen und Motive mit sich ziehen. Andererseits steuert sie das Geschehen präzise durch feine Schnitzereien und die sorgfältige Abstimmung auf die umliegenden Bildelemente.

Das fotografische Bild spielt dabei eine zentrale Rolle: In Kombination mit haptischen Glasuren und Reliefs entsteht eine spannungsvolle Oberfläche. Die Fotografien – Momentaufnahmen aus ihrem Alltag als Gestalterin und Reisende – transportieren Stimmungen, Erinnerungen oder sachliche Informationen. Durch die Hitze des Ofens werden sie dauerhaft eingebrannt, verblassen, verziehen oder verformen sich und eröffnen so neue, unerwartete Details: kleine Welten, Szenerien und Bühnen für die Fantasie.

Ihr Ziel ist es, trotz der offensichtlichen Gegensätze von Struktur und Material harmonische, in sich geschlossene Gebilde zu schaffen, die dem Blick eine lebendige Bewegung im Material offenbaren.

Eine Iniative von FRÉDÉRIQUE HUTTER art concept: www.frederiquehutter.ch

Neumarkt 17 Loft
Predigergasse 14
8001 Zürich

So werden verschiedene Bereiche der Bereicherung dieser Sammlung in den Bereichen Skulptur, Installation und Container enthüllt. Durch ihre thematische Verteilung zeugt sie von den Obsessionen und der Vielfalt des aktuellen Schaffens. Diese Bereicherung, die mit Intuition durchgeführt wird, führt zu originellen – formalen, technischen oder expressiven – Verbindungen zu den alten Sammlungen des Museums.

Kurator: Frédéric Paul Bodet

Die in dieser Ausstellung gezeigten KünstlerInnen:
Akio Takamori, Christine Aschwanden, Baldwin & Guggisberg, Suzy Balkert, Philippe Barde, Ute Kathrin Beck, Thomas Blank, Thomas Bonny, Emmanuel Boos, Jean Marie Borgeaud, Pernille Braun, Kirsten Brünjes, Ursula Commandeur, Thiébaut Chagué, Claude Champy, Michael Cleff, Grazia Conti Rossini, Daphne Corregan, Hubert Crevoisier, Margareta Daepp, Robert Dawson, Bernard Dejonghe, Edmée Delsol, Gundi Dietz, Pippin Drysdale, Karima Duchamp, Xavier Duroselle, École d’Arts Visuels Berne et Bienne, Sylvie Enjalbert, Violette Fassbaender, Estelle Gassmann, Philippe Godderidge, Laure Gonthier, Christian Gonzenbach, Zsuzsa Füzesi Heierli, Ashraf Hanna, Jessica Harrison, Louise Hindsgavl, Charlotte Hodes, Ann van Hoey, Audrius Janušonis, Gitte Jungersen, Doris Kaiser, Jacques Kaufmann, Keramik Laufen AG, Myung-Joo Kim, Sangwoo Kim, Virginia Leonard , Jacqueline Lerat, Rebecca Maeder, Paul March, Toshio Matsui, Eric James Mellon, Anne Mercedes, Yuriy Musatov, Fredrik Nielsen, Charlotte Mary Pack, Emmanuel Peccatte, Gustavo Pérez, Rafael Pérez, Chloé Peytermann, Paul Philp, Jeanne Rimbert, David Roberts, Nicolas Roscia, Hervé Rousseau, François Ruegg, Elke Sada, Anja Seiler, Esther Shimazu, Skuja Braden, Jan Steenman, Johan Tahon, Brendan Tang, Hirotsune Tashima, Núria Torres Dominguez, Camille Virot, Bouke de Vries, Aiko Watanabe, Yan Zoritchak

Musée Ariana
Swiss Museum of Ceramics and Glass
Avenue de la Paix 10
CH – 1202 Genève

Die Ausstellung All You CanNOT Eat. Fake Food auf Stoff ist einem Restaurant nachempfunden, in dem nichts Ess- oder Trinkbares angeboten wird.
Auf Basis der Sammlung des Textilmuseums St. Gallen sind die Tische von diversen Gästen mit Exponaten, die Nahrungsmittel abbilden, gedeckt. Verschiedene Zeitepochen, gesellschaftliche Klassen und Geschmäcker treffen aufeinander und treten zueinander in Bezug.

Menschliche Nahrungsaufnahme ist ein flüchtiger Moment. Einverleiben muss sich der Mensch Essen und Trinken bevor es verdirbt und verrottet. Im Akt des Verzehrens tritt das Gegessene und Getrunkene aus dem sozialen Rahmen aus. Um dieses “Verschwinden” zu lindern und zu verhindern wird Essbares abgebildet und damit festgehalten.
All You CanNOT Eat untersucht in einer Ausstellung und einer Veranstaltungsreihe Tischkultur im Hinblick auf fake food. Weiterführend werden Prints und Imitationen von Verzehrbarem in der Mode beleuchtet.

Partizipatives Projekt unter Mitwirkung von Association Verdre, Marta Birt, Beni Bischof, Tatiana Boiko, Kristina Bucheli, Julie Chauland, Collective Swallow by Anaïs Marti, Estelle Gassmann, Sven Gex, Sarena Huizinga, Infantium Victoria by Dinie van den Heuvel, Terézia Krnáčová, Lapidar (Jessica Celis, Salomon Elsler, Elena Völkle, Nadine Werner), Alfred Leuzinger/ open art museum, Léonie Ludovicy, Pauline Lutz, Madame Europe, Madame Tricot, Yves Meier, Pusha Petrov, Carlo Rampazzi, Joan Sallas, Sinnlich Essen (Sabrina Berger, Cajetana Oechslin, Larissa Riesen, Lisa Rubio), Natalia Solo-Mâtine, Sabina Speich, taktik:haptik (Lisa Blaser, Zora Weidkuhn, Nathan Werlen), Tischgesellschaft (Jana Besimo, Valerie Meta Ehrenbold, Lisa Schöpflin).

Kuratorin: Alexandra Schüssler

Textilmuseum St. Gallen
Vadianstrasse 2
CH-9000 St.Gallen

The final pieces have an astonishing elegance and fragility that defy the laws of physics. Her creativity corresponds and resonates with the hybrid and multidisciplinary identity of stratégies obliques: an unconventional, experimental, and oblique technique, a search for transformation and otherness which results in strange, organic, dissonant, sometimes disturbing, but beautiful pieces.

To understand Estelle Gassmann creative process, it is significant to know that she has a training in textile design. Why would it matter for an artist working with ceramic? Perhaps because it provides a thread to understanding the level of her attention to the ‘fabric of things’ both as in the interwovenness of materials and fabrication of objects, and of her attention to patterns and motifs in her use of visual details that repeat and adhere to things at the juncture between appearance and essence.

When first discovering the pieces by this artist one is struck by their uncanny – that is the weird in the familiar – presence. They are daily objects, bowl and platters (Estelle also designs bedcovers and linens), that refer to the domestic not in a mundane, trivial manner that would become a hindrance to their artistry but as a playground for exploration and the site of poïesis. Creating more beauty in the everyday is not so simple as it is making it more interesting, and it is revealing its complexity.

This is done with collecting, chance and combination. First, the long and slow process of building a vocabulary, one’s own visual and formal language, acquired along travels and meandering walks, surprise encounters, resulting in a living archive that nourishes the artist’s creative register. Then, a total trust in one’s own craft and skills to let one’s intuition at work is a sign of true mastery: to take the risk to fail every time, to allow that factor and dance around it with it. Last, the incitement of surprising combination, of crossing the borders of disciplines and pushing their limits in applying 2D patterns to morphing 3D objects merging the old and the new, the soft and the hard, careful precision with sheer luck.

In this working process, Estelle Gassmann is both methodic and messy (in a good way) as she builds upon her previous efforts, relentlessly starting over, breaking and repairing, firing and refiring, editing, selecting, composing, arranging, imagining, projecting, building, constructing and waiting. Her process is a gathering of practices from her photographing, archiving, collecting to her sourcing materials, recycling older recipients, historical pieces, to her recomposing new arrangements just like a composer would with an ensemble until each and very parts fit rightly together in an unprecedented harmony. Until the very last moment, when the unfired pieces go to the kiln, everything has been carefully planned and constructed, yet something could go another way. It is this thin equilibrium between submitting to chance and guiding it with anticipation that makes the result so awe inspiring.

Looking at a work by Estelle Gassmann is being in the presence of this process, it is an invisible story being told to our intuitive senses. Beyond the stunning beauty of a piece lies the complexity of its making. Nothing is obvious, something is always in becoming. Multiple stories are unfolding: the ancient piece, the ways of the new material, the visual layering, her own stories and our personal readings of it.

The title of the exhibition – nature fluide – is also both evident and counter intuitive. As nature comes in all four physical states, artworks, and ceramics in particular, are solid, yet porcelain embodies this duality as it is a fragile medium of extreme strength and the very firing process that give it its solidity makes it liquid for a moment. It is this transient fluidity – the property of deforming under stress or external force – that allows the artist to play with the duality of hard and soft materials when she combines fresh glaze and porcelain with recovered pieces, forcing one material to melt over another one, often also overfiring to push the limits of the material resistance. Limits that she explores with forms as with images, which are printed on enamel ceramic transfers usig a new technology applied over century old vessels, overlapping and burning colors to either enhance or subsume them, provoke cracks and drools that will add their story to the flow of things.

Revisiting repurposed antique pieces that she collects from Czech, Romania, Hungary, Spain or Italy, Germany, Belgium or France – places where they either had kings or still nurture a certain type of kitsch handcraft, these lace-like braided stoneware provide her with the ideal support over which she can build anew, intricating molten with colored pigment. In another series she combines rough black clay with the candor of extra thin white glazed porcelain to form the most gravity defying yet humble of bowls.

The exhibition is taking place in the context of the Parcours Céramique Carougeois and extend until October 12, 2024.
Text: Anne-Laure Oberson

STRATÉGIES OBLIQUES
Rue Saint-Joseph 16
1227 Carouge

Internationale Künstler:innen und KunsthandwerkerInnen widmen sich in ihren Materialien Glas, Keramik, Metall, Papier, Textil, Wachs und in den Bereichen Mode und Schmuck dem Thema der Blume und schöpfen das Naturvorbild getreu oder variierend nach.

Galerie Handwerk
Max-Joseph-Strasse 4, Eingang Ottostrasse
80333 München

Photo credits: Eva Jünger ©Galerie Handwerk, München

Karuna Balloo, FR | Lacy Barry, CA/DE I Markus Benesch Creates, DE | Sofia Björkman, SE I Sandrine Bourg, FR | Tracey Bush, GB I Declercq Passementiers, FR | Monika Drescher-Linke, DE I Katrin Eisenblätter und Astrid Triska, DE I Christiane Englsberger, DE | Cécile Feilchenfeldt, CH/FR I Ulla Forsell, SE | Doerthe Fuchs, DE I Shige Fujishiro, JP/DE | Estelle Gassmann, CH I Guido Geelen, NL | Cécile Henri Atelier, FR I Mirjam Hiller, DE | Sigrid Hilpert-Artes, DE I Masami Hirohata, JP/DE | Dafna Kaffeman, IS I Kimiaki Kageyama, JP | Tien Nio Kho/ Royal Feather I Flowers, DE | Matt Lambert, US/SE | Aurélia Leblanc, FR I ICM – Atelier Lebuisson, FR | Sophie Lecomte, FR I Helena Lehtinen, FI | Georg Ragner Levi, SE I Linda Jansson Lothe, NO | Nicki Marquardt, DE I Victoria Martini, DE | Cecilia Moore, IR I Barbara Nanning, NL | Laurentine Périlhou, FR I Effi Pingel, DK | Inger Johanne Rasmussen, NO I Thomas Renwart, BE | Maud Ruby, FR I Nathalie Seiller Dejean, FR | Vera Siemund, DE I Luzia Simons, BR/DE | Annemiek Steenhuis, NL I Susanna Taras, DE | Maria ten Kortenaar, NL I Christopher Thompson Royds, GB | Anne Tomlin, GB I Lucie Touré, FR | Annette Marie Townsend, GB I Hsiao-Chi Tsai und Kimiya Yoshikawa, GB I Ivo van den Baar und Nicole Driessens / I Wandschappen, NL | Maria Verburg, DE I Anna Volkova, NL

The Melting Pot exhibition presents the result of a competition bringing together an international jury on the theme of “Melting Pot – from alchemical to cultural crucible”.

Melting Pot in English designates both a space, in which people of varied origins mingle, and a container in which the alchemist or the ceramist will mix materials of various kinds

The project takes up the general theme of the 50th Congress of the International Academy of Ceramics, official partner of Unesco, which will be held in Geneva from September 11 to 16, 2022. This large-scale event will bring in its wake a whole series of events in French-speaking Switzerland around ceramics, of which the joint exhibition in Neuchâtel and Nyon will be an important part.

The exhibition presented at the Museum of Art and History will reveal the works of 13 artists who each give a very personal interpretation of the theme. A richly illustrated publication will be produced on this occasion.

Exhibited artists:

VALÉRIE ALONSO / JOËLLE BELLENOT / MARIE BORNET LANZ / SÉVERINE EMERY-JAQUIER / LYNN FRYDMAN KUHN / ESTELLE GASSMANN / MAGDALENA GERBER / LAURE GONTHIER / AGATHE NAÏTO / MICHÈLE ROCHAT, SOPHIE ROCHAT, CLOTILDE WUTHRICH / SÉBASTIEN SCHNYDER / EVA VOGELSANG avec ANDREA STEBLER / HOI KERAMIK – ROBI WEHRLE, EVELYNE LAUBE, NINA WEHRLE

Die Sommerausstellung der Galerie Handwerk ist eine Gruppenausstellung, zu der über 40 Gestalterinnen und Gestalter aus Deutschland und den angrenzenden Ländern eingeladen wurden. Sie bietet die Möglichkeit viele unterschiedliche Handwerke zu vereinen und dem Publikum ihre nachhaltige Qualität zu vermitteln. Die Ausstellung soll auch die Lust auf die Verwendung schöngestalteter Gegenstände in unserem Alltag wecken.

AUSSTELLERINNEN UND AUSSTELLER

Adoria – Sara Preisetanz, DE | David Bielander, DE I Hedwig Bollhagen International GmbH, DE I Andrea Borst, DE I Maike Dahl, DE I Lottie Day, GB | Antje Dienstbir, DE I Distler Luca und Florian Pichler GbR – Messerwerk, DE I Monika Drescher-Linke, DE | Anna Eichlinger, DE I Eva Eichlinger, DE | Pura Ferreiro, DE I Hans Fischer, DE | Susanne Fraaz, DE I Sigi Franz, GLASPUNKT, DE | Hidden Factory, CZ I Kira Fritsch, DE | Eva Frohwein, DE I Estelle Gassmann, CH | G sine Hackenberg, NL I HTL Kramsach, AT | Margit Jäschke, DE I Ole Jensen, NL | Eva Jünger, DE | Elisabeth Klein, DE I Kristallmanufaktur Theresienthal GmbH, DE I Daniel Kruger, DE | Papierwerk Glockenbach, I Annamaria Leiste und Barbara Schrobenhauser, DE I Felix Lindner, DE | Katharina L ber, Thomas I Löber-Buchmann, DE | Sonngard Marcks, DE I Andrea Martini, DE | side by side Caritas Wendelstein Werkstätten, DE | Anna Moll, DE I Birgit Morgenstern, DE | Orike Muth, DE / Susan Nemeth, GB | Töpferhof Lenzen – Jens-Peter Planke, DE | Renée Reichenbach, DE I Regina Rupp, DE | Juliane Sch l , DE I Freia Schulze, DE | Pedro Sequeira, PT I Sabine Stenert, FR | Gabi Veit, IT I Annika van Schoor, DE | Friederike von Hellermann, DE I Olga von Moorende, DE | Hubert Weinkauf, DE I Peter Wirsching, DE

Galerie Handwerk
Max-Joseph-Strasse 4, Eingang Ottostrasse
80333 München

Come and visit us at a mini-vernissage on four different dates where we will host a limited number of visitors for a walkthrough and conversation inspired by the exhibition. We look forward to welcoming you.

The curators, Deborrah Schaer & Serge Ziegler

Galerie Ziegler, Rämistrasse 34, Zurich 8001
Wed-Fri, 1-6pm

An impertinent stroll through two Genevan collections

The Musée Ariana is inviting the City of Geneva’s Contemporary Art Fund (FMAC) to set up a dialogue between their respective collections. The presentation of the works resembles a treasure hunt, based on imagery, textures and forms, in an always open face-to-face. Assembled along the lines of exquisite corpse compositions, this exhibition allows visitors to stroll through a series of encounters – probable or improbable – with contemporary ceramic creations, characterised by eloquent or more obscure associations of ideas, chance or deliberate references or juxtapositions, where formal, evocative and sensory threads develop and interweave.

Animality, sexuality, Eros and Thanatos, memento mori, evocations or invocations of nature, the accidental or unconscious, multiple interpretations emerge in this dreamlike world, like detours or roads less travelled.

Immerse yourself in this cabinet of curiosities – a disparate collection with no hierarchy of artistic mediums or practices
– where the “uncanny” prevails…

Die Blumen fragen: «Wird wohl heute die Sonne scheinen?»

Darauf sagt die Sonnenblume: «Gewiss, wenn ich will.»

Und die Giesskanne: «Aber wenn ich will, wird‘s regnen. Und wenn ich meine Brause abnehme, sogar in Strömen.»

Jules Renard

Wenn man die Besucherinnen der Ausstellung und die Passanten, die am Fenster der Galerie vorbeigehen ein wenig beobachtet, sieht man rasch: sie zeigen ein anderes Benehmen als «normale» Ausstellungsbesucher.

Es ist ein Staunen, ein Wundern, ein Bezaubert-Sein in und um sie. Ein Ausdruck von Zuständen und Gefühlen, die wir heute in der Kunst nicht mehr so oft haben. Zustände und Gefühle, die in früheren Jahrhunderten durchaus häufiger in der Kunst anzutreffen waren.

Ich erinnere mich an eine kleine ländliche Kapelle im hochsommerlich trockenen Süden Frankreichs. Die Tür stand offen und ein Leuchten kam vom Altar her. Ein intensiver Sonnenstrahl brachte ein Kruzifix und eine Monstranz zum Funkeln. Draussen trockene, karge Landschaft, drinnen Glanz und Herrlichkeit: Wie muss das auf Menschen gewirkt haben, die noch ein Fernsehen kannten? Keine Leuchtreklamen? Keine Lichtshows? Es war keine berühmte Kapelle, kein bedeutendes Kunstwerk und doch ist mir damals stark bewusst geworden, welche Verführungs-Kraft von der Kunst ausgeht.

Was eine ländliche Kapelle mit einem Garten zu tun hat? Ein Garten hat immer eine metaphysische Komponente. Einen Garten anzulegen heisst, eine Welt zu schaffen. Eine Welt, die auf unser aller Welt Bezug nimmt, und die darüber hinaus geht. Jeder Garten ist ein Paradies, also ein Ausblick auf eine bessere Welt, ein Gegenentwurf zur bestehenden Welt.

In dem Moment, in dem Sie ein Stück Erde einzäunen, beginnen Sie einen Garten zu schaffen. Dieser Zaun ist wichtig. Er muss nicht hoch sein, er muss nicht massiv sein. Aber er muss, zumindest in Ihrer Vorstellung, da sein. Denn ein Garten ist per Definition immer ein umfriedetes Gelände. Das germanische Ursprungswort gerd oder gard bedeutet soviel wie Gerte oder von Gerten, Zweigen umstecktes Gelände. Und wer ein Gelände einzäunt, der tut damit zweierlei kund.

1. Ich beanspruche dieses Gelände für mich.

2. Ich gestalte auf diesem Gelände eine eigene Welt.

Die Wirklichkeit zeigt, dass der zweite Punkt nicht immer eingehalten wird: es gibt umzäunte Grundstücke auf denen nichts gestaltet wird. Es gibt auch verwilderte Gärten und umzäuntes Brachland?

Eigentlich aber ist ein Garten ein gestaltetes Gelände, eine eigene Welt. Und damit nahe am Kunstwerk. Denn auch das Kunstwerk ist eine eigene Welt. Traditionell mit einem Rahmen drumherum – also einer Art Zaun. Was sich innerhalb dieses Zaunes befindet – da ist der Spielraum gross. Der französische Surrealist Louis Aragon hat in «Le Paysan de Paris» notiert, was alles Gärten sein können: Gärten erinnern ihn an Spitzen-verzierte Taschentücher, an Likör-gefüllte Schokolade. Er vergleicht sie mit geistreichen Frauen, die manchmal ein bisschen bösartig sein können oder sogar blöde aber immer voller Rausch und Illusionen.

Wir haben in dieser Ausstellung zwei Gärten, deren Umfriedung ebenso unzweifelhaft ist wie ihr Bezug zur Kunst. Zwei Gärten in einer Galerie. Jeder in einem Raum. Wer von einem Raum in den anderen geht, spaziert wie durch eine Gartenlandschaft.

Es sind Gärten, die wir sofort als Gärten erkennen – auch wenn sie nicht viel mit Erde, Petersilie und Hecken zu tun haben. Aber es gibt zentrale Elemente, die wir sofort dem Garten zusprechen: Das Florale, das organisch wirkende. Und ein wenig Ungeordnetes. Die meisten von uns empfinden Natur als besonders natürlich, wenn sie ein bisschen wild erscheint. Ein bisschen. Totale Wildnis wird eher als beunruhigend empfunden. Wir wollen das Gefühl haben, dass wir die Natur kontrollieren können. Wir wollen – zumindest als Gärtner oder Gartenliebhaberinnen – nicht unbedingt die totale Kontrolle. Die Natur soll als eigene Kraft erkennbar bleiben, mit der wir in Dialog treten können. Die Natur-Kraft steht für die Lebens-Kraft selbst. Einen Garten zu gestalten heisst, das Leben gestalten.

Etwas von dem Wechselspiel zwischen Kontrolle und Freiheit, Garten und Freiraum steckt in den Arbeiten von Estelle Gassmann, die Sie nebenan sehen. Die Künstlerin arbeitet mit Porzellanschalen, die sie auf Flohmärkten erwirbt. Vor allem mit Porzellanschalen, die filigrane Durchbruchmuster zeigen. Diese Durchbruchmuster erinnern an Flechtstrukturen und damit in gewisser Weise an Gartenzäune. Einige der Schalen sind mit Blumendekors bemalt. Sie sind also Gärten en miniature: mit Blumen und Zaun. Die Künstlerin Künstlerin erweitert diese Gärten, indem sie Porzellanmasse zugibt und diese gewissermassen an den gefundenen Schälchen entlang wachsen lässt. Die Porzellanmasse wächst gleichsam durch die Gitterstrukturen, geht über sie hinaus, schlängelt sich himmelwärts wie Ranken, bildet Dächer wie Bäume. Es formt sich eine eigene kleine Landschaft.

Estelle Gassmanns Arbeiten erinnert an Arrangements oder Miniaturgärten, die man manchmal in Pflanzschalen angeboten bekommt. Da gibts dann ein kleines Primelchen und einen Zwergbuchs und noch ein Pflänzchen – und wenn die alle kräftig wachsen, dann ist das bald kein niedliches Arrangement mehr, sondern etwas Neues, Wildes, Eigenwilliges.

Die Objekte sind mit Bildern bedruckt: Aufnahmen aus der Natur, aber auch von Plastikgefässen, die ebenfalls durchbrochene Strukturen aufweisen. In einer früheren Werkserie hat sie sie die Porzellangefässe mit Durchbruchsmuster und die Plastikgefässe mit Durchbruchmuster kombiniert: das Wertige und das Billige, das Natürliche und das Künstliche. Wobei man sich natürlich fragen kann, was ist hier natürlich, was künstlich: Beides ist von Menschen gemacht.

Gärten sind immer von Menschen gemacht. Sie behaupten, Natur zu sein, sind aber vom Menschen gemacht. Im «Lustgarten» von Doris Staub Muster besteht daran kein Zweifel. Die Künstlerin hat einen Garten angelegt, der durchaus natürliche Komponenten enthält, der aber dennoch gar nicht erst so tut, als sei er Natur. Dieser Garten ist ein künstliches Paradies. Ein kunstvolles Paradies. Und ein lustvolles.

Er jst, um noch einmal auf Louis Aragaon zurückzukommen, ein Likör-gefülltes Praliné, das auf einem Spitzentaschentuch serviert wird. Ein Spitzentaschentuch, an dem alles dran ist, was Handarbeitskunst nur so kann: aufwendigste Stiche, vertrackteste Muster, raffinierteste Effektgarne. Und – wenn ich mir dieses Spitzentaschentuch vorstelle, dann sehe ich da auch ein grosses, deutliches Monogramm. Denn: es ist ein sehr persönlicher Garten.

Es ist ein Garten, in dem sich Privates und Allgemeines, Gesehenes und Gelesenes, Essentielles und Spielerisches, Natürliches und industriell Gefertigtes, Heimisches und Exotisches, Kitsch und Kunst, Freude und Schönheit, Werden und Vergehen, Denken und Schauen aufs engste miteinander verbinden.

Ich kann unmöglich und will auch gar nicht über alle einzelnen Bestandteile dieses Gartens, über all die Pflanzen, die echten und die künstlichen, die Videos, die Vögelchen und Insekten sprechen. Es sind Reiseandenken – Doris ist eine interessierte Reisende – es sind Grüsse aus ihrem eigenen Garten. Es sind Objekte, die sie in aller Welt und die sie bei sich daheim aufgesammelt hat. Es sind zum Teil Objekte, wie die Pusteblumen in den Plexischalen, die eine grosse persönliche Bedeutung für die Künstlerin haben – ein Symbol der Vergänglichkeit. Das alles zu erklären, das würde nicht nur ewig dauern. Es würde uns nicht gut tun. Es würde den Zauber ankratzen. Es gibt Dinge, über die man nicht sprechen kann. Über die man vielleicht auch gar nicht sprechen sollte.

Es gibt Momente der Schönheit und des tiefsten Glücks, die in einer Harmonie des Innen mit dem Aussen entstehen können. Und die unter der Last allzu vieler, allzu schwerer Worte zerbrechen können. Gärten, und das gilt auch und gerade für künstlerische Gärten, sind Sinnbilder des Lebens selbst, seiner Schönheit, seiner Fülle und seiner Fragilität.

One has the feeling of a pause in the making, a fragility and transience of material and form. A curious look at the secondary: cautious and challenging. Some processes are controlled and stopped deliberately, others are left to chance. This produces visual ‚creatures‘, setting stories in motion. They offer the oveserver a visible animation of the material, a poetic elsewhere.

It produces fragile visual ‚creatures‘ which set stories in motion. They offer to the eye of the observer a visible animation of the material, a poetic elsewhere.

Towards the end of a residency at Sundaymorning@ekwc each participant gives a final presentation.

Meinerseits wurde die Beletage im 2. Stock der Villa zum Model: Mit Zucker-Tragant werden Teile der Innenarchitektur abgeformt, um sie neu kombiniert oder verformt wieder in den Raum zurückzustellen. Dabei wird dem robusten Inventar sein fragiler Abdruck gegenübergestellt.

Foto Tulpenwurststrauss mit Kolibri: Anna Kanai

„Für ihre Konstanzer Installation ‚Nach-Tisch‘ liess sich Estelle Gassmann von dem lebensfrohen Treiben in Wirtshäusern und an Bürgertafeln, die ein bevorzugtes Motiv der niederländischen Kunst des ‚Goldenen Zeitalters‘ waren, anregen. Auf die ausufernde, überbordende Stimmung der die Installation umgebenden Zeichnungen antwortet sie mit einem Arrangement ihrer bemalten, überklebten und überformten Teller,Krüge und Dosen.“ Dr. Barabra Stark, Kuratorin Wessenberg Galerie

Zeichnung: Cornelius Dusart, ‚Wirtshausszene nach Brouwer‘, 1695

Fotos: Anna-Katharina Wittmann, Estelle Gassmann